Pour ce 21e album, disponible depuis peu, Ian Fraser « Lemmy Kilmister » nous offre dix titres qui ne changeront pas forcément grand-chose à la donne Motörheadienne. La question du moment : est-ce qu’un sexagénaire peut encore faire vibrer son public sur galette aussi bien qu’en live ?

Mine de rien, Motörhead c’est plus de 160 ans à 3 bonhommes, autant dire qu’on est loin de la prime jeunesse. Force est de constater que sur galette, la puissance et l’énergie se font ressentir. Chaque morceau transpirant le rock ‘n’ roll, la sueur et la graisse de moteur. (Pour le live, je suis convaincu que le combo est très efficace -porté de plus par les fans-, mais autant vous faire une idée en direct.)

The Wörld Is Yours ne dépareille pas avec les dernières sorties du groupe. Depuis Inferno, la fine équipe a réaffuté ses riffs, ajusté ses mélodies. Sans pour autant être dans l’air du temps (à la mode quoi), Motörhead nous offre depuis plus de 8 ans une matière qui fait oublier le passage à vide des années 90.

Rock ‘n’ Roll, c’est le nom d’un album (magique !) de 1986, mais c’est aussi ce qui dans The Wörld Is Yours saute le plus aux oreilles. Putain ça fait du bien, ça joue, ça balance, c’est énorme ! On prend Les 5 premiers titres et c’est du rock limite punk pur jus (oui le pur jus du coup devient un concept compliqué je vous l’accorde). Brotherhood Of Men, avec ses accents Orgasmatronien, devrait lui aussi ravir les fans… Alors, la voix s’étiole peut-être un peu sur les titres, mais ce qu’elle perd entre guillemets en force, elle le gagne en expression et sur certains titres c’est tout simplement imparable.

Les plus de l’album : Born To Lose, le très bon I Know How To Die, Get Back In Line, l’excellent Devils In My Head, Rock ‘N’ Roll Music, Brotherhood Of Man (wohaaaaa!), Outlaw, I Know What You Need.

Le moins : Bah que 39 minutes… Mais c’est vraiment histoire de dire.

Note : Lemmy le DVD : si vous êtes fan, ou si vous voulez en apprendre plus sur le Lemmy « 49% Motherfucker 51% Son Of A Bitch » ce reportage fera mouche. Suivre pendant plusieurs mois l’affreux bassiste des ténèbres est assez touchant et on se rend compte que derrière l’homme de tous les excès se trouve un mec peut être un peu plus cynique que la moyenne, parfois touchant, très mordant généralement… Enfin, pas du tout un abruti constamment sous Jack D (il y est constamment mais il gère bien le bougre).

Les bons moments du DVD : la rencontre avec ses anciens partenaires d’Hawkwind (woot v’la l’ambiance), les échanges avec son fils, ses délires sur l’histoire, une démonstration sur ce qui fait la différence entre un bassiste métal lambda et Lemmy, ainsi que forcément la visite de son appart à Los Angeles : tout simplement un capharnaüm mortel !

Les moins : peut être la fin du DVD qui sent l’éloge funèbre… Mouaif le côté loser magnifique en fin de vie a ses limites. (Je passe sous silence tous les groupes, artistes qui tout le long du DVD lui rendent hommage, je ne suis pas forcément fan du truc.)

Néanmoins, ça m’a donné envie d’aller roder du côté du Rainbow à LA (un bar métal ou pas mal d’icônes trainent leurs guêtres)… Si vous êtes comme moi, fan de Motörhead, on organisera un pèlerinage de groupe…

Motörhead – The Wörld Is Yours
1. Born To Lose
2. I Know How To Die
3. Get Back In Line
4. Devils In My Head
5. Rock ‘N’ Roll Music
6. Waiting For The Snake
7. Brotherhood Of Man
8. Outlaw
9. I Know What You Need
10. Bye Bye Bitch Bye Bye

Lemmy Kilmister – Basse et chant
Phil Campbell – Guitare
Mikkey Dee – Batterie

Très rapidement le pitch, le professeur Van Helsing (Peter Cushing) actuellement en Chine, fait un cycle de conférences dans les universités. Lors de sa dernière conférence, il évoque une légende sur un village maudit, cette malédiction étant liée à la présence de vampires, qui s’abreuvent sur les habitants du village. C’est dans la même soirée qu’il rencontre un étudiant, Hsi Ching, habitant de ce village et celui-ci l’invite à s’y rendre afin de libérer le village de la malédiction. S’en suivra un voyage, ponctué de combats afin d’affronter le prêtre maléfique, maître des sept vampires : Dracula en un mot…

En 1974, la Hammer est sur le déclin, afin de produire ce film, elle passe un accord avec la « Shaw Brothers », une société de production hongkongaise de cinéma (Les Disciples de la 36e chambre). L’accord entre les deux sociétés permit d’obtenir ce bijou hors catégorie qu’est La légende des sept vampires d’or. Car comment qualifier le mélange des genres ? Si ce n’est pour faire simple, un film de Kung Fu Gothique.

L’objet est tellement inhabituel, que lorsqu’on le visionne, on ne peut que rester sans voix devant certains choix de réalisation. Filmé essentiellement en studio le film recèle quelques scènes d’anthologie malgré des faiblesses prégnantes qui l’éloignent des schémas attendus de la Hammer. Tout d’abord, c’est plus un film d’aventure, qu’une Horror Masterpiece, très rapidement on se rend compte que l’aspect gothique est particulièrement mis de côté pour mettre en avant les schémas habituels des films d’arts martiaux. Néanmoins, afin de conserver une cohérence dans le « gothisme », il apparaîtra des éléments propres aux productions de la Hammer. Avec un budget conséquent, ce film présente aussi des scènes avec plus d’une centaine de figurants, ce qui permet de donner une envergure évidente au propos.

Quelques détails :

L’érotisme que l’on attend des productions de la Hammer est ethnocentré, l’héroïne (Julie Edge, une actrice norvégienne) restera chastement vêtu, tandis que les actrices chinoises seront largement dévêtues tout du long métrage (la faute aux sept vampires).

On s’attend à voir Christopher Lee, mais à l’époque, il est en conflit avec la Hammer et refuse de jouer dans les films si les scénarii ne lui conviennent pas. Pour le coup, c’est John Forbes-Robertson qui interprète Dracula, et étant donné que l’empreinte de Christopher Lee est très forte par rapport au personnage, le réalisateur Roy Ward Baker fera un tour de passe-passe pour que Dracula, les trois-quarts du film ait une autre apparence. Pour le peu qu’on le voit, Dracula (sous sa vraie forme) atteint le summum du ridicule, avec un maquillage outrancier, qui le ferait passer pour une catin dépenaillée. C’est un cauchemar (de Dracula- wizzz la référence !).

L’introduction du film est apocalyptique, avec la rencontre de Kah le grand prêtre et maître des 7 vampires avec Dracula. C’est un moment clé (et le fameux tour de passe-passe du réalisateur quant à la figure emblématique du comte), où les deux genres se mêlent en un grand n’importe quoi transylvanien.

Tous les effets spéciaux, trucages sanglants sont très light, et le macabre est remplacé par de l’aventure à grand renfort d’épiques combats aux sabres, à mains nues, etc. Pour ceux qui aiment le sang, vous ne trouverez pas grand-chose à vous mettre sous la dent.

La première rencontre avec les vampires chinois est assez éprouvante, car on a du mal à ne pas se tordre de rire quand on voit leurs dégaines. Le top restant la ceinture chauve-souris en or massif, mais il y a aussi les petits masques (vénitiens like) et les couronnes, perruques qui sont infernales.

La fin de Dracula (il meurt !!) est pitoyable et on se demande comment en étant aussi emblématique, on peut avoir une mort aussi bidon … Le seul avantage de celle-ci, c’est qu’on arrête de subir l’insupportable maquillage de John Forbes-Robertson.

Dans ce film, Van Helsing passe au second degré, car les véritables héros du film sont les huit frères et sœurs qui vont combattre les sept vampires. A grand renfort d’acrobaties, ils découpent, broient tout sur leur passage et Peter Cushing est bien fade à côté de ces athlètes surentrainés…

La légende des sept vampires d’or est un bon divertissement, dans la mesure où vous pouvez supporter le côté suranné de la pellicule et le décalage « Kata vs Canines ». En mode bières, pizza, potes cela fonctionne bien évidemment.

Acteurs : David Chiang, John Forbes-Robertson, Julie Ege, Peter Cushing, Robin Stewart
Réalisateurs : Roy Ward Baker
Format : Couleur, Son HiFi, Mono, Cinémascope, PAL
Langue : Allemand, Français, Anglais
Sous-titres : Allemand, Finnois, Français, Grec, Hongrois, Néerlandais, Anglais, Suédois, Turc, Arabe
Studio : Warner Bros.
Date de sortie du DVD : 20 octobre 2004
Durée : 85 minutes

L’histoire :

Quelque part en Angleterre, deux hommes aménagent un appartement pour que celui-ci accueille un prisonnier. Très rapidement, ils enlèvent une jeune femme issue d’un milieu aisé, et demande une rançon à la famille. Mais même les rouages les mieux huilés ont toujours leur grain de sable…

J Blakeson a tout compris au thriller, car le parti pris de choisir le thème d’un enlèvement pour en faire un huis clos relève de la gageure scénaristique. Les trois acteurs (3 !!) sont excellents : Gemma Arterton, dont on se souvient pour son rôle de Io dans Le choc des titans, relève le gant de la victime, tout en finesse, astuce (et espièglerie… bah non en fait) et une certaine féminité. Les deux ravisseurs, quant à eux, sont incarnés par Martin Compston (Doomsday), et Eddie Marsan, une gueule (comme on dit), que l’on a vu dans pas mal de films récemment, de Hancock à Sherlock Holmes en passant par V pour Vendetta. Le trio formé par ces trois acteurs fonctionne excessivement bien, et très rapidement, on devine dans les échanges les non-dits et les tensions latentes.

De l’art de transformer un rien en tout, voilà ce à quoi s’attache J Blakeson, et il s’y entend à merveille pour que la situation la plus anodine devienne stressante au possible, où le moindre détail, le moindre regard a son importance.

Violent et efficace seraient les termes qui selon nous désignent de la meilleure façon La disparition d’Alice Creed. Autant dire qu’une fois passée l’introduction mystérieuse (le bricolage de l’appartement), on rentre totalement dans l’intrigue et il est très difficile de se détacher de ce film. Un bon thriller avec peu de moyens, ça vaut toujours la peine d’être regardé, surtout si on est fan du syndrome de Stockholm et de ses aléas…

On aime l’ambiance, les acteurs, les ressorts scénaristiques, la photo et le générique de fin qui est vraiment excellent (musique + graphisme = ambiance du tonnerre).

On n’aime pas : parfois c’est un peu gros, mais d’un autre côté dans une histoire, plus c’est gros plus ça passe (©Monsieurwar 2010).

Alors, le pitch : 117 après Jésus-Christ : l’Empire Romain règne sur tout l’Occident. Pourtant, aux confins glacés du nord de l’Angleterre, l’armée romaine se heurte à la tribu des Pictes, des barbares sanguinaires qui maîtrisent parfaitement l’environnement. Afin d’éradiquer la menace, le gouverneur local fait appel à la légendaire 9e légion du Général Titus Virilus, le bataillon d’élite de l’Empire. Mais, contre toute attente, la cohorte se fait massacrer au cours d’une terrible embuscade et le Général est fait prisonnier. Seul le Centurion Marcus Dias et quelques survivants échappent miraculeusement au carnage. Au lieu de battre en retraite, ces guerriers solitaires décident de tenter l’impossible : s’enfoncer en territoire ennemi pour délivrer Virilus…

Le terrain est miné, car depuis Gladiator et la série Rome, beaucoup de films médiocres ont flirté sur un sujet équivalent… Le dernier en date, La Dernière Légion, était cauchemardesque avec des notions de Fantasy (ouh le méchant sorcier que voilà) vraiment odieuses, plombant un scénario ridicule (l’intervenante qui pratique un art martial hindou reste un must, mais on a aussi la prophétie de Romulus, etc.).

On sentait qu’avec Doomsday, Neil Marshall avait des envies un peu « médiévales », disons que pour le coup, Centurion lui permet d’exprimer ses penchants bravaches en mode antique. Sans pour autant en faire un gigantesque fourre-tout visuel permettant d’exprimer sa technique (comme dans Doomsday), il propose, avec Centurion, une œuvre relativement sobre et efficace dans le domaine.

Centurion est servi par un casting crédible, mais surtout par une photographie imparable. Les décors naturels sont particulièrement mis en valeur dans ce film et tous les fans des grands espaces apprécieront la vision des terres sauvages (au-delà du mur d’Hadrien). Les scènes de combats sont très sanguinolentes et filmées de manière lisible. Ce n’est néanmoins pas 300 et ses accélérations improbables donnant aux Spartiates et à leurs adversaires cette touche pour le coup mythique. Le scénario, quant à lui, peut être résumé d’une manière très rapide : c’est une chasse à l’homme, ni plus ni moins ; un mano à mano entre les Pictes et une poignée de soldats romains.

Au global, on se laisse emporter par cette histoire relativement simple : un film de baston avec deux trois personnages mémorables, l’aspect « survival » étant mis de côté. Pas forcément le film du siècle, mais comme on dit : ça se regarde.

On aime le personnage d’Etain (Olga Kurylenko) qui reste de loin le personnage picte le plus mémorable de Centurion, et au niveau romain, le «héros » de cette histoire, Marcus Dias (Michael Fassbender).

On n’aime pas : un poil d’intrigue en plus aurait été sympathique, la voix off a tendance à être pénible dans ses interventions…

Alors, l’actualité des séries, depuis plusieurs mois, ne tourne qu’autour des êtres fantastiques avec le vampire en particulier. Épuisant de voir que semestre après semestre, on nous assène toujours les mêmes archétypes. Sauf que pour Being Human, le choix des réalisateurs (qui ont bossé sur Torchwood) est assez intéressant, car au-delà de se positionner sur l’image habituelle du prédateur, du monstre nocturne, etc., nous avons trois êtres qui ne veulent qu’une chose : vivre comme des humains malgré leurs spécificités intrinsèques… Bien entendu, la série, par l’intermédiaire de flashbacks tout le long des épisodes, nous expliquera les causes et conséquences de leurs divers états.

Le postulat est assez inhabituel et les aventures des trois héros permettront de soulever des questions, et un point de vue sympathique. Réalisée avec peu de moyens, c’est plus la qualité scénaristique qui va emmener le spectateur à accrocher à la série Being Human que les effets spéciaux (les gros plans par exemple sur le garou étant à la limite du supportable). Pour revenir aux fans de White Wolf, ils resteront sur leur faim quant aux pouvoirs/explications/détails divers concernant les trois créatures. On s’éloigne des schémas évidents, néanmoins par d’autres aspects, la série sonne juste, notamment sur le loup-garou et le fantôme.

Being Human est servi par un casting plutôt intéressant avec Georges (le loup-garou) qui est largement au-dessus du lot, Annie un fantôme très sympathique et Mitchell un vampire crédible (mais qui ne sort pas vraiment des sentiers battus de l’interprétation).

Si vous voulez un point de vue un peu acide sur la « condition monstrueuse », si pour vous les moyens importent moins que le scénario, vous ne devriez pas manquer cette série. (Normalement la saison trois devrait être disponible en janvier 2011).

On aime les trois personnages qui sont limite dépressifs, les rapports entre ces trois individus à part et leur communauté (oh le spoil !), un énorme plus pour Georges le loup-garou qui est touchant par son interprétation. On aime la saison 2 qui reprend les éléments clés de la fin de la saison 1 et qui fait bien monter la sauce…

On n’aime pas le casting du pilote qui n’a plus grand-chose à voir avec le casting de la saison (eh oui, ils l’ont remaniée suite aux votes des spectateurs), les moyens techniques qui sont parfois vraiment légers. Les DVD de la saison 1 et 2 sont disponibles, mais sans les sous-titres en français : it sucks!

Pour There Is a Hell, Believe Me I’ve Seen It. There Is a Heaven, Let’s Keep It a Secret (mon Dieu ce titre), le groupe s’acoquine sur quatre titres avec Lights (Electro Canada), Josh Franceschi (chanteur de You Me At 6) et Josh Scogin (chanteur de The Chariot). En douze compositions, l’univers de Bring Me The Horizon s’élargit encore d’un panel musical plus dense, les insertions électroniques passant de mieux en mieux, l’intervention de Lights sur deux des titres par exemple donnant une touche hivernale vraiment sympathique (pour l’ambiance, c’est plutôt unique). Sans pour autant s’amollir et totalement oublier leurs racines, les gars de BMTH pointent leur regard vers un chaos sonore (bien maîtrisé assurément) orné de pointes prog et cathartiques à souhait. Le chant d’Oliver, peut-être moins agressif et plus cool (sans pour autant sombrer dans une mièvre mélancolie), montre là encore l’évolution du groupe. Clairement, ceux qui avaient bien apprécié les débuts seront peut-être surpris, voire déçus du manque de « pêche » des titres, néanmoins si on enlève les étiquettes poussiéreuses, cet album montre une maturité impressionnante. Du furieux désespoir de It Never Ends, en passant par les constructions mélodiques –ambiant -electro de Crucify Me (dont le titre de l’album est extrait) ou même Blessed With A Curse et ses sonorités limites « Shoegazantes », Bring Me The Horizon, sous une apparente hétérogénéité, défie les lois du Metal, se profile dans la fusion (qui ne sied guère a ce que l’on devrait attendre d’un combo de Deathcore au départ) et s’offre une alternative musicale non négligeable d’évolution. Toujours est-il que les choix d’expérimentations sonores du groupe sont assumés et ce Metal Core devrait trouver une oreille attentive parmi certains d’entre vous. Un coup de frais anglais, ça ne se refuse pas !!

On aime : à la manière de Jack Sparrow dans Pirate des Caraïbes (dont l’une des répliques a donné le nom du groupe- NDRL La Malédiction du Black Pearl), BMTH surprend, prend à contre-pied, décevra peut-être, mais la volonté de tendre vers un univers baroque, aux multiples facettes ne peut qu’être soulignée et encouragée une fois encore.

On n’aime pas : rien

Bring Me The Horizon-There Is a Hell, Believe Me I’ve Seen It. There Is a Heaven, Let’s Keep It a Secret
01. Crucify Me (featuring Lights)
02. Anthem
03. It Never Ends
04. Fuck (featuring Josh Franceschi – You Me at Six)
05. Don’t Go (featuring Lights)
06. Home Sweet Hole
07. Alligator Blood
08. Visions
09. Blacklist
10. Memorial (instrumental)
11. Blessed with a Curse
12. The Fox and the Wolf (featuring Josh Scogin -The Chariot)

Oliver Sykes Vocals,
Matt Nicholls Drums,
Jona Weinhofen Guitar,
Matt Kean Bass,
Lee Malia Guitar

On prend une jaquette plutôt jolie, un jeu de mots approximatif et nous voilà embarqués dans Wonderlustre. Les reformations, c’est toujours un peu aléatoire (et parfois carrément pénible). Skunk Anansie frappe un grand coup sur notre ampli pour dire : « bah c’est l’heure les gars ! ». L’album offre 12 titres (+ un bonus digital) qui démontent à coup de riffs, de mélodies, tous ceux qui ne croyaient pas en cette (re)formation. Deborah Dyer est en grande forme et sa voix survole cet album telle l’ombre d’un grand prédateur. Clairement, sa prestation sur Wonderlustre montre un talent qui va de pair avec le boulot effectué par Cass, Ace et Mark. Énervée (sa marque de fabrique), sensible, en tout cas vraie et en pleine possession de ses moyens, elle démonte tout sur son passage. Ses compagnons, quant à eux, montent des structures qui sont un vrai tapis rouge pour permettre à Skin de s’exprimer… Brit pop, rock survolté, morceau limite punk, jeu sensible, tout est mis en place pour créer une usine à tubes. Si ce n’est pas l’album d’une carrière, ce sera au moins l’album du retour de Skunk Anansie sur le devant de la scène.

Si tous les groupes qui nous font le plan de l’éternel retour pouvaient en prendre de la graine, nous aurions assurément un peu plus de fans heureux.

J’aime Gods Love Only You (un peu facile, mais efficace), My Ugly Boy avec son riff entêtant, Over The Love qui sonne totalement nineties, The Sweetest Thing qui devrait accrocher pas mal de radios, It Doesnt Matter sautillant et énervé, mais en fait peu importe : car tout est bon dans cet album.

Je n’aime pas : rien.

Skunk Anansie-Wonderlustre
01. God Loves Only You
02. My Ugly Boy
03. Over The Love
04. Talk Too Much
05. The Sweetest Thing
06. It Doesn’t Matter
07. You’re Too Expensive For Me
08. My Love Will Fall
09. You Saved Me
10. Feeling The Itch
11. You Can’t Always Do What You Like
12. I Will Stay But You Should Leave

Take the Curse

Pour moi Ramesses ça a commencé par une odeur d’encens et les ténèbres… Le trio anglais en termes d’ambiance se pose là, pour proposer leur Doom Psyché teinté de Death. Les dix morceaux de Take The Curse sont à la frontière de beaucoup de styles et effectivement, on pourra rester surpris par les incursions «extérieures » donnant à l’ensemble une cohérence certaine. Si vous aimez les rythmes poisseux, les vrombissements surréalistes ou les touches psyché totalement 70’s, le tout malaxé et recouvert d’une bonne couche de growl (entre Death, Black et je ne sais quoi), Ramesses est le groupe qu’on ne peut pas oublier, ni même mettre de côté. On pourra retrouver des accents à la Darkthrone ou Runemagick, voire Mr Bungle ou Hendrix… autant dire que ces multiples influences ont maturé dans les vertes collines du Royaume-Uni pour nous sortir la création la plus putride du moment : eh oui, la moindre écoute d’un titre vous infectera les tympans et vous ne pourrez que succomber.

J’aime : Iron Crow pour son rythme accéléré (…) et le voile granuleux de cette composition. Terrasaw pour le côté grand-guignolesque du riff de ce titre, Black Hash Mass avec l’interlude justement Black, Baptism Of The Walking Dead qui nous ramène de nombreuses années en arrière avec un son gras du meilleur goût… Khali Mist qui tourne plutôt bien. Merci les gars d’avoir joué le dernier morceau de votre live dans le noir (complet), c’était  magique (satanique ?) !!

Je n’aime pas : le live à l’Heretic était un peu court.

Tim Bagshaw (Guitare)
Mark Greening (Batterie)
Adam Richardson (Basse & chant)

Ramesses – Take The Curse
01 Iron Crow
02 Terrasaw
03 Black Hash Mass
04 Take The Curse
05 Vinho Dos Mortos
06 Baptism of the Walking Dead
07 Another Skeleton
08 Hand of Glory
09 The Weakening
10 Khali Mist

Imbodogom, est un duo anglo-néo-zélandais qui flirte avec Terry Riley, Kraftwerk , Steve Reich et les prémices de l’Electro disons entre 1950 et 1975. Ces deux messieurs construisent des structures analogiques (oui analogiques) musicales, en travaillant uniquement avec des cassettes et leur esprit forcément éthéré allons nous dire…

The Metallic Year a été enregistré au BBC’s Bush House et propose neuf titres, d’ambiant fantomatique. Cette musique nocturne, ou des esprits gémissent sur des notes claires (de piano ou d’instruments à cordes), tinte à la manière de gouttes de pluie tombant sur un tapis végétal au crépuscule. Parfois, les accents sont bruitistes, mais jamais à la manière d’un Merzbow. Ils n’ont pas de limites à dépasser, juste une force d’évocation à mettre en place. Impressionnant, mélodique et à découvrir d’urgence.

J’aime tous les morceaux qui sont excellents avec une petite préférence pour Calibos, Unseen Ticket, Of The Cloth , The Metallic Year Pt.1, The Metallic Year Pt.2

Imbogodom – The Metallic Year
01 The Metallic Year Pt. 1
02 Unseen Ticket
03 Of The Cloth
04 The Endless Body
05 Indosoap
06 Bvsh Hovse Ghost
07 Report From Iron Mountain
08 Calibos
09 The Metallic Year Pt. 2

« En toute objectivité, Iron Maiden est le groupe le plus talentueux de l’histoire totale des multivers existants, ayant existé ou se préparant à exister ; de toute éternité, sans remise en cause possible. Iron Maiden participe activement à l’expansion de l’univers pressentie par Einstein. L’écoute d’un seul titre d’Iron Maiden fait reverdir les arbres et rend vigueur, force et fécondité ; même aux goths dépressifs et aux hippies mous. » Monsieurwar, interview à « warmag’ », 1992.

Cette citation mondialement connue, donnée par un lycéen appelé à devenir qui l’on sait, est bien évidemment toujours d’actualité. Passons à l’album proprement dit.

The Final Frontier, 15^ÈME album original d’Iron Maiden, fait suite à l’excellent A Matter of Life and Death sorti en 2006. Le défi était rude, les Anglais ayant pris la sale habitude de livrer un bon album sur deux depuis longtemps.  Et, malheureusement, j’ai bien cru que tel était encore le cas. Une intro longue et inutile, collée au premier morceau éponyme et donc difficilement esquivable, nous ennuie. Arrive enfin le titre « The Final Frontier », au bout de 4mn 30 chiantes ! Et là, comment dire… Un vieux titre de rock. De rock. Oui, vous lisez bien, du rock. Putain, du rock ! Et pis quoi encore, Iron Maiden va-t-il se transformer en vieux hippie moisi ou bien ? Un morceau de remplissage, tel le bon « Week-end Warrior » sur Fear of The Dark en 1992. Pas mauvais, en soi, mais pas transcendant. Où se trouve le putain de morceau d’ouverture de d’habitude, bien heavy avec le refrain qui claque ? Ou sont « The Wicker Man », « Different World », « Be Quick Or Be Dead », hein ? Dans mon cul ? Et bien, a priori, oui ! Comble du comble, j’entends ma fiancée dire « tiens, ce morceau est sympa ». Elle qui déteste le Heavy et Maiden! Quel scandale ! Après avoir couru au tribunal demander le divorce, je me replonge dans l’album. « El Dorado », le second titre de The Final Frontier, débute par une apocalypse instrumentale inutile, et je commence à devenir tout vert. Et là, ouf, des « tagada, tagada, tagada » qui commencent. Sauvé. Un bon titre, pas le tube de l’année à cause des relents de riffs rock moisis, mais avec un vieux refrain de derrière les fagots qui donne envie de lever le poing ! Yeeessssssss !

Bon, je ne vais pas vous infliger un track to track ; sinon le webmestre va encore gueuler sur le nombre de signes de la chronique, comme quoi  3 000 c’est déjà trop (là, on les a déjà dépassé, je vais me faire pourrir). La suite de l’album est relativement moyenne. De bonne tenue, mais pas de quoi se rempoter le bambou avec le clone d’Angelina Jolie. On commence à s’acheminer vers un Dance Of Death 2, et je pleure des larmes de sang. Ecoutant les morceaux défiler, je m’intéresse à la production et à l’exécution des morceaux, puisque de tapage de pied, levage de poings et secouage de tête il n’y a pas ou si peu…

The Final Frontier d’Iron Maiden : point de vue technique. Un interlude chiant par monsieurwar.

Les musiciens sont évidemment impeccables, bien que Nicko, le batteur, soit à mon sens en dessous de ses capacités, genre calé sur ses acquis, sans nous livrer trop d’exploits dont il a le secret. La basse est impériale, mais c’est le minimum pour Steve, le demi-dieu déjà vénéré par les Celtes et les Grecs anciens. Les guitaristes sont excellents, même si on ne voit toujours pas l’utilité du troisième. Bruce, l’autre demi-dieu, a perdu en aigus malgré son hygiène de vie impeccable. En revanche, sa maîtrise des médiums est devenue royale, permettant à son chant d’œuvrer dans de larges palettes émotionnelles. Le son est bon, avec à mon sens un sous-mixage de la batterie dommageable. Bien fait, bien produit, quoi. Poc poc poc. Je file dans la cuisine pour m’ouvrir une badoit rouge et me cuisiner un steak de soja, pour faire ton sur ton avec la saveur de l’album, QUAND TOUT À COUP ! (Musique d’angoisse, genre TINTIN TIN TIIIINNNN !!!!)

Reprise des hostilités.

Tout à coup arrive la seconde partie de l’album, ah ah ah ! Plus de hippies moisis ! Du Metal mélodique, des refrains qui tuent, des morceaux épiques ultra-longs (9 mn, 11mn, etc.), des contructions riches, des intros réussies. Même Nicko s’énerve ! Bruce part dans des envolées lyriques splendides en digne successeur de Ronnie James Dio et les titres excellents s’enchaînent à la vitesse de décomposition d’Eric Woerth. Je lâche ma badoit, ouvre une bonne binouze et me cuisine un demi-bœuf avec du piment, youhouuuu ! Les trois derniers morceaux achèvent l’album sur une note aérienne. Du très bon Maiden. Les Rois restent les Rois. En résumé, un album moyen, qui s’acheminait vers une retraite pépère pour les papys du Metal… Et magistralement sauvé par les quatre ou cinq derniers morceaux. Un album à écouter, à posséder ; pas le meilleur de leur carrière mais largement au-dessus de certains… UP THE IRONS, THE GODS ARE BACK !!!!

Votre dévoué, Monsieurwar.

J’aime : la seconde partie de l’album.
J’aime pas : la première et l’artwork tout pourri.

IRON MAIDEN ARE :
Bruce Dickinson : Chant.
Steve Harris : Basse.
Dave Murray : Guitares.
Adrian Smith : Guitares.
Jannick Gers : Guitares.
Nicko Mc Brain : Batterie.

Je vous laisse avec « The Final Frontier », le premier titre de l’album. Notez que l’album s’est directement classé n°1 des ventes dans plus de 20 pays, y compris la France, avec, comme d’hab’, aucune surface médiatique chez nous… René la Taupe, c’est mieux…