Cannibal ! The Musical

Ce film réalisé avec un petit budget (125 000 $) propose donc une relecture décalée et musicale des événements vécus par Alferd Packer. Autant dire, sans dévoiler les moments clés de l’intrigue, que l’absurde et la folie règnent sur tout ce long métrage : paroles de chansons ineptes, réactions incohérentes, comportements décalés… Parker et Stone ne font pas dans la dentelle et nous offrent une galerie de personnages hauts en couleur. Entre l’éternel naïf (Alferd amoureux de Liane sa jument), les psychopathes par défaut (trappeurs, bouchers et consorts), les ataraxiques débiles… Tout y passe. La musique est à la hauteur du script et nous offre là encore un décalage de bon aloi. Pour les observateurs et les spécialistes, de nombreuses références truffent Cannibal ! The Musical et vous pourrez y retrouver pêle-mêle les prémices de South Park, des répliques de Star Trek, des clins d’œil à Vendredi 13, voire même l’Odyssée d’Homère…

Le film est ponctué de chansons qui sont généralement les points d’orgue du grand n’importe quoi proposé par Parker et Stone. Même si vous n’aimez pas les comédies musicales, le côté Monty Python de ces moments (précieux) remportera tous les suffrages. Cette comédie musicale est à consommer sans modération, avec tout l’attirail nécessaire, à savoir bière et pizza + potes, histoire de ne pas s’en sortir.

Hum… En fait, j’ai trouvé le film assez intéressant. Alors il est certain que Rive gauche (in french you know), ce n’est pas vraiment parlant en soi, et puis on est à Anvers, pas à Paris…

Le pitch, histoire de dire : Une athlète qui se réfugiait dans le sport pour fuir les contacts humains, est obligée de suspendre ses activités et de se confronter au monde extérieur. Elle s’installe avec son homme dans un appartement et découvre sur place des phénomènes étranges.

Et alors me direz-vous ?

Van Hanspieter développe un univers réaliste et glauque qui petit à petit dérive, dérape dans le mythe. L’ambiance crépusculaire du film (vous savez Brel et son canard qui se pend parce que le ciel est si bas…), les thèmes abordés (mutation de l’esprit vs mutation du corps), la psychologie de l’héroïne, le décorum global rendent Leftbank très crédible. Vous rajoutez à cela une manière sèche et réaliste de mettre en scène le quartier de Linkeroever (Anvers) afin que celui-ci devienne vraiment angoissant et cauchemardesque.

Si vous aimez les enquêtes, les ambiances à la Lovecraft, les histoires médiévales et bien entendu les films d’épouvante c’est le moment ou jamais de découvrir Leftbank.

Le seul aspect négatif, les scènes d’actes sexuels, qui n’apportent pas forcément grand-chose à la narration par leur répétition.

Quel est l’intérêt de se plonger dans un film qui a été tourné il y a plus de 46 ans ? C’est en fait la version la plus proche du roman, Le Survivant (1971, avec Charlton Heston) étant une version où les adversaires fonctionnant en un groupe sectaire sont revenus à un âge médiéval tandis que le héros les affronte avec la technologie, tandis que la version de 2007, qui est elle-même un remake du Survivant, s’éloigne encore du propos en montrant des monstres inintelligents, un héros afro-américain et en faisant un contresens sur la phrase « Je suis une légende ». L’autre point est de constater que Georges A Romero s’inspira de ce film pour La nuit des morts-vivants. (Si si…).

Il est vrai qu’avec ce genre de détails, on peut trouver cette version intéressante d’un point de vue « histoire des films d’horreur » ou pour regarder une version de Je suis une légende qui conserve l’esprit cynique et désenchanté de l’œuvre originale (les deux autres versions faisant l’impasse sur ce point).

le pitch histoire de dire : depuis que le virus transporté par le vent a frappé le continent, Robert Morgan n’a plus croisé d’êtres humains. Il y a eu des survivants, bien sûr, mais ils ont muté, transformés en créatures proches des vampires, qui ne supportent pas les miroirs, l’ail et la lumière du jour… Pour le docteur Robert Morgan la vie est routinière, dès son réveil, il rassemble son équipement, part explorer la ville et chasse les créatures qui la hantent, puis va les déposer dans une immense fosse pour les brûler… À la nuit tombée, il se cloître dans sa demeure, subissant les assauts des vampires qui l’entourent, attendant que le jour revienne et qu’il puisse recommencer sa chasse quotidienne.

Dans cette première version, les vampires sont intelligents, fonctionnent en société et peuvent s’exprimer, les ressorts du scénario évoluant de fait avec cette notion quant aux échanges du héros avec ses prédateurs potentiels. Imaginez votre demeure où l’un de vos amis vous appelle, vous menace, et ce, toute la nuit ? Ce point était envisagé avec Le survivant et est totalement passé à l’as dans la version de 2007, avec un registre de frayeur plus bestiale tout simplement.

Il est à noter que peu dangereux seuls, ces vampires deviennent mortels en bandes, et d’ailleurs on constatera deux niveaux de créatures, les « basiques », créatures étant pataudes, limitées et très proches du zombie, et enfin les vampires réellement structurés qui ont dépassé un certain cadre dans l’évolution du virus…

Parcouru par de nombreux flashbacks, le film montre la solitude et le désespoir du héros, ce qui permet à Vincent Price, malgré ses airs de dandy, d’être crédible. Au-delà de ce point, Je suis une légende ne sort pas de la norme cinématographique de l’époque (c’est un film à petit budget), alors ne vous attendez pas à des torrents d’effets spéciaux.

Si vous êtes intéressé par le sens premier du titre « Je suis une légende », ce film sera la bonne clé, bien que le roman se suffise à lui-même. Et puis, un film old school plus sympathique qu’un blockbuster récent ça ne fait pas de mal (blockbuster qui attend une préquelle … Antépisode, si vous préférez).

Pour info, ce film est dans le domaine public depuis quelques années.

Très rapidement le pitch, le professeur Van Helsing (Peter Cushing) actuellement en Chine, fait un cycle de conférences dans les universités. Lors de sa dernière conférence, il évoque une légende sur un village maudit, cette malédiction étant liée à la présence de vampires, qui s’abreuvent sur les habitants du village. C’est dans la même soirée qu’il rencontre un étudiant, Hsi Ching, habitant de ce village et celui-ci l’invite à s’y rendre afin de libérer le village de la malédiction. S’en suivra un voyage, ponctué de combats afin d’affronter le prêtre maléfique, maître des sept vampires : Dracula en un mot…

En 1974, la Hammer est sur le déclin, afin de produire ce film, elle passe un accord avec la « Shaw Brothers », une société de production hongkongaise de cinéma (Les Disciples de la 36e chambre). L’accord entre les deux sociétés permit d’obtenir ce bijou hors catégorie qu’est La légende des sept vampires d’or. Car comment qualifier le mélange des genres ? Si ce n’est pour faire simple, un film de Kung Fu Gothique.

L’objet est tellement inhabituel, que lorsqu’on le visionne, on ne peut que rester sans voix devant certains choix de réalisation. Filmé essentiellement en studio le film recèle quelques scènes d’anthologie malgré des faiblesses prégnantes qui l’éloignent des schémas attendus de la Hammer. Tout d’abord, c’est plus un film d’aventure, qu’une Horror Masterpiece, très rapidement on se rend compte que l’aspect gothique est particulièrement mis de côté pour mettre en avant les schémas habituels des films d’arts martiaux. Néanmoins, afin de conserver une cohérence dans le « gothisme », il apparaîtra des éléments propres aux productions de la Hammer. Avec un budget conséquent, ce film présente aussi des scènes avec plus d’une centaine de figurants, ce qui permet de donner une envergure évidente au propos.

Quelques détails :

L’érotisme que l’on attend des productions de la Hammer est ethnocentré, l’héroïne (Julie Edge, une actrice norvégienne) restera chastement vêtu, tandis que les actrices chinoises seront largement dévêtues tout du long métrage (la faute aux sept vampires).

On s’attend à voir Christopher Lee, mais à l’époque, il est en conflit avec la Hammer et refuse de jouer dans les films si les scénarii ne lui conviennent pas. Pour le coup, c’est John Forbes-Robertson qui interprète Dracula, et étant donné que l’empreinte de Christopher Lee est très forte par rapport au personnage, le réalisateur Roy Ward Baker fera un tour de passe-passe pour que Dracula, les trois-quarts du film ait une autre apparence. Pour le peu qu’on le voit, Dracula (sous sa vraie forme) atteint le summum du ridicule, avec un maquillage outrancier, qui le ferait passer pour une catin dépenaillée. C’est un cauchemar (de Dracula- wizzz la référence !).

L’introduction du film est apocalyptique, avec la rencontre de Kah le grand prêtre et maître des 7 vampires avec Dracula. C’est un moment clé (et le fameux tour de passe-passe du réalisateur quant à la figure emblématique du comte), où les deux genres se mêlent en un grand n’importe quoi transylvanien.

Tous les effets spéciaux, trucages sanglants sont très light, et le macabre est remplacé par de l’aventure à grand renfort d’épiques combats aux sabres, à mains nues, etc. Pour ceux qui aiment le sang, vous ne trouverez pas grand-chose à vous mettre sous la dent.

La première rencontre avec les vampires chinois est assez éprouvante, car on a du mal à ne pas se tordre de rire quand on voit leurs dégaines. Le top restant la ceinture chauve-souris en or massif, mais il y a aussi les petits masques (vénitiens like) et les couronnes, perruques qui sont infernales.

La fin de Dracula (il meurt !!) est pitoyable et on se demande comment en étant aussi emblématique, on peut avoir une mort aussi bidon … Le seul avantage de celle-ci, c’est qu’on arrête de subir l’insupportable maquillage de John Forbes-Robertson.

Dans ce film, Van Helsing passe au second degré, car les véritables héros du film sont les huit frères et sœurs qui vont combattre les sept vampires. A grand renfort d’acrobaties, ils découpent, broient tout sur leur passage et Peter Cushing est bien fade à côté de ces athlètes surentrainés…

La légende des sept vampires d’or est un bon divertissement, dans la mesure où vous pouvez supporter le côté suranné de la pellicule et le décalage « Kata vs Canines ». En mode bières, pizza, potes cela fonctionne bien évidemment.

Acteurs : David Chiang, John Forbes-Robertson, Julie Ege, Peter Cushing, Robin Stewart
Réalisateurs : Roy Ward Baker
Format : Couleur, Son HiFi, Mono, Cinémascope, PAL
Langue : Allemand, Français, Anglais
Sous-titres : Allemand, Finnois, Français, Grec, Hongrois, Néerlandais, Anglais, Suédois, Turc, Arabe
Studio : Warner Bros.
Date de sortie du DVD : 20 octobre 2004
Durée : 85 minutes

L’histoire :

Quelque part en Angleterre, deux hommes aménagent un appartement pour que celui-ci accueille un prisonnier. Très rapidement, ils enlèvent une jeune femme issue d’un milieu aisé, et demande une rançon à la famille. Mais même les rouages les mieux huilés ont toujours leur grain de sable…

J Blakeson a tout compris au thriller, car le parti pris de choisir le thème d’un enlèvement pour en faire un huis clos relève de la gageure scénaristique. Les trois acteurs (3 !!) sont excellents : Gemma Arterton, dont on se souvient pour son rôle de Io dans Le choc des titans, relève le gant de la victime, tout en finesse, astuce (et espièglerie… bah non en fait) et une certaine féminité. Les deux ravisseurs, quant à eux, sont incarnés par Martin Compston (Doomsday), et Eddie Marsan, une gueule (comme on dit), que l’on a vu dans pas mal de films récemment, de Hancock à Sherlock Holmes en passant par V pour Vendetta. Le trio formé par ces trois acteurs fonctionne excessivement bien, et très rapidement, on devine dans les échanges les non-dits et les tensions latentes.

De l’art de transformer un rien en tout, voilà ce à quoi s’attache J Blakeson, et il s’y entend à merveille pour que la situation la plus anodine devienne stressante au possible, où le moindre détail, le moindre regard a son importance.

Violent et efficace seraient les termes qui selon nous désignent de la meilleure façon La disparition d’Alice Creed. Autant dire qu’une fois passée l’introduction mystérieuse (le bricolage de l’appartement), on rentre totalement dans l’intrigue et il est très difficile de se détacher de ce film. Un bon thriller avec peu de moyens, ça vaut toujours la peine d’être regardé, surtout si on est fan du syndrome de Stockholm et de ses aléas…

On aime l’ambiance, les acteurs, les ressorts scénaristiques, la photo et le générique de fin qui est vraiment excellent (musique + graphisme = ambiance du tonnerre).

On n’aime pas : parfois c’est un peu gros, mais d’un autre côté dans une histoire, plus c’est gros plus ça passe (©Monsieurwar 2010).

Le pitch officiel : Une famille de touristes américains en voyage en Irlande rate le car qui devait les ramener en ville. A la recherche d’un endroit où passer la nuit, ils découvrent un étrange village, coupé du monde, dans lequel trop de mariages consanguins ont laissé des traces : une grand-mère terrifiante règne sur une famille de dégénérés, tandis que des enfants attardés jouent à des jeux sadiques…

Le couple est insipide, les deux sœurs se détestent et le copain anglais est « fat ». Les acteurs, il faut le dire, sont médiocres ; la musique est bof (avec une touche de Ladytron histoire de dire, en début et fin de film), les rebondissements sont inexistants. On a une intro qui est un peu abstraite et gore à deux balles… Reste des scènes peu stressantes. En fait, le stress vient des deux sœurs qui n’arrêtent pas de s’insulter une bonne partie du film, au début c’est supportable, mais après un quart d’heure, c’est totalement improbable. En parlant d’improbabilité, la petite famille qui squatte une voiture croisée sur la route, là encore ce n’est pas vraiment réaliste… Surtout lorsque de l’environnement sylvestre émane des voix désincarnées (de bébés/hurlements/des trucs qui font peur).

Cette intro terminée (c’est l’intro !!), on retrouve notre petite famille confrontée à des dégénérés. La nuit, dans cette forêt, tous les enfants rôdent… Et là, ça part en live, car vous n’aurez pas de stress, du gore bien évidemment, oui mais surtout de l’onirique, enfin non du cauchemar ! Car cette partie principale s’apparente plus aux contes de Grimm qu’à autre chose : l’aspect fragmenté de la narration permettra de bien accentuer le côté « barré » des événements. Disons que, parfois, on est à la limite des « Druides de l’horreur vs le petit chaperon rouge vs les psychotropes » et on l’admet, ça tourne pas si mal, car malgré les moyens limités, le réalisateur arrive à implanter, insinuer un malaise constant et dérangeant. La troisième partie de Plague Town quant à elle, permettra d’avoir une chute un peu surprenante, bien que totalement hors propos par rapport à l’ambiance précédente.

Malgré quelques atouts, le film pâtit de nombreuses touches défectueuses. La famille est réellement improbable (oui, on voyage tous ensemble en bus…), les événements qu’ils vont vivre le sont tout autant, mais à la limite, dans un film d’horreur, les éléments perturbateurs ne sont que rarement crédibles. Le souci vient plus, au-delà des dialogues médiocres, de certains détails qui tâchent…

Après un coup de fusil dans le visage, une des malheureuses victimes a encore une élocution crédible et semble se porter comme un charme. Il faudra une blessure à la gorge, une crevaison d’yeux et une pendaison (si si) pour que celui-ci trouve enfin le repos… Que les « monstres » aient des super pouvoirs pourquoi pas, là quand les victimes encaissent plus que de coutumes, on croirait voir un rejeton de The Expandables/Rocky… Ce n’est qu’un détail, mais c’est l’accumulation de ce genre de points qui choque au final.

Plague Town, on se dit la ville de la peste, la ville de l’Enfer : raté ! C’est un charmant hameau en Irlande, avec dix demeures qui se battent en duel (je suis large)… Le rapport avec la peste ? Peste sanguine pour le délire consanguin du pitch. La voiture française… qu’est ce qu’elle fout là ? En plus, un modèle qu’on ne voit plus depuis des années, alors j’imagine les gars (français) courageux qui partent avec cette ruine en voyage à l’étranger… Disons que c’était des étudiants aventureux sans le sou…

Il y a des scènes qui se veulent champêtres et effrayantes, on pourra les trouver tout au plus champêtres et ridicules… La scène où la belle mère se fait flageller à coup de branches par les enfants vaut le détour, surtout quand le monstre « patapain » (un dégénéré avec un goitre qui descend sur la gorge et au début de la poitrine) participe à la ronde nocturne avec son enjoliveur (de voiture française) pour tuer ladite belle-maman…

Comme vous le voyez, Plague Town est un bric-à-brac d’effets, d’événements… Parfois certaines idées font leur chemin et sont brillantes, parfois on se demande ce que l’on est venu faire dans ce nanar, d’un autre côté en mode bière chips (et des potes) ça devrait passer. Bonne chance/rigolade.

Vous voulez en savoir plus ? c’est par là…

Alors, le pitch : 117 après Jésus-Christ : l’Empire Romain règne sur tout l’Occident. Pourtant, aux confins glacés du nord de l’Angleterre, l’armée romaine se heurte à la tribu des Pictes, des barbares sanguinaires qui maîtrisent parfaitement l’environnement. Afin d’éradiquer la menace, le gouverneur local fait appel à la légendaire 9e légion du Général Titus Virilus, le bataillon d’élite de l’Empire. Mais, contre toute attente, la cohorte se fait massacrer au cours d’une terrible embuscade et le Général est fait prisonnier. Seul le Centurion Marcus Dias et quelques survivants échappent miraculeusement au carnage. Au lieu de battre en retraite, ces guerriers solitaires décident de tenter l’impossible : s’enfoncer en territoire ennemi pour délivrer Virilus…

Le terrain est miné, car depuis Gladiator et la série Rome, beaucoup de films médiocres ont flirté sur un sujet équivalent… Le dernier en date, La Dernière Légion, était cauchemardesque avec des notions de Fantasy (ouh le méchant sorcier que voilà) vraiment odieuses, plombant un scénario ridicule (l’intervenante qui pratique un art martial hindou reste un must, mais on a aussi la prophétie de Romulus, etc.).

On sentait qu’avec Doomsday, Neil Marshall avait des envies un peu « médiévales », disons que pour le coup, Centurion lui permet d’exprimer ses penchants bravaches en mode antique. Sans pour autant en faire un gigantesque fourre-tout visuel permettant d’exprimer sa technique (comme dans Doomsday), il propose, avec Centurion, une œuvre relativement sobre et efficace dans le domaine.

Centurion est servi par un casting crédible, mais surtout par une photographie imparable. Les décors naturels sont particulièrement mis en valeur dans ce film et tous les fans des grands espaces apprécieront la vision des terres sauvages (au-delà du mur d’Hadrien). Les scènes de combats sont très sanguinolentes et filmées de manière lisible. Ce n’est néanmoins pas 300 et ses accélérations improbables donnant aux Spartiates et à leurs adversaires cette touche pour le coup mythique. Le scénario, quant à lui, peut être résumé d’une manière très rapide : c’est une chasse à l’homme, ni plus ni moins ; un mano à mano entre les Pictes et une poignée de soldats romains.

Au global, on se laisse emporter par cette histoire relativement simple : un film de baston avec deux trois personnages mémorables, l’aspect « survival » étant mis de côté. Pas forcément le film du siècle, mais comme on dit : ça se regarde.

On aime le personnage d’Etain (Olga Kurylenko) qui reste de loin le personnage picte le plus mémorable de Centurion, et au niveau romain, le «héros » de cette histoire, Marcus Dias (Michael Fassbender).

On n’aime pas : un poil d’intrigue en plus aurait été sympathique, la voix off a tendance à être pénible dans ses interventions…

Synopsis : Scott Pilgrim n’a jamais eu de problème à trouver une petite amie, mais s’en débarrasser s’avère plus compliqué. Entre celle qui lui a brisé le cœur – et qui est de retour en ville – et l’adolescente qui lui sert de distraction au moment où Ramona entre dans sa vie – en rollers – l’amour n’a jamais été chose facile. Il va cependant vite réaliser que le nouvel objet de son affection traîne les plus singulières casseroles jamais rencontrées : une infâme ligue d’ex qui contrôlent sa vie amoureuse et sont prêts à tout pour éliminer son nouveau prétendant. À mesure que Scott se rapproche de Ramona, il est confronté à une palette grandissante d’individus patibulaires qui peuplent le passé de sa dulcinée : du mesquin skateur à la rock star végétalienne en passant par une affreuse paire de jumeaux. Et s’il espère séduire l’amour de sa vie, il doit triompher de chacun d’eux avant que la partie soit bel et bien « over ».

Ce film réalisé par Edgar Wright (Hot Fuzz, Shawn Of The Dead) est inspiré des comics de Bryan Lee O’Malley. Quand nous disons film de geeks, c’est une évidence, entre le rock, les jeux vidéo, une histoire d’amour digne de West Side Story… il y en a pour tous les goûts. Surchargé assurément, baroque et kitsch à la fois bien sûr… Le réalisateur, arrive tout de même à faire un succédané de plus de trente ans de jeux vidéo dans Scott Pilgrim Versus The World. Au-delà de faire référence sur référence, il s’amuse par la mise en scène et par la photo à nous faire entrer dans le monde de Scott, que l’on effeuille à l’instar d’une bande dessinée. Dans cette histoire d’amour pour de vrai (faux), où l’on peut gagner une vie et des « continue » en abattant ses adversaires (et en faisant des combos !), le Rock et les jeux vidéo n’ont jamais été mis en relation de manière aussi novatrice. (NDLR : celui qui trouvera tous les clins d’œil du film aura son portrait en première page de Skulking, et ce, pendant un mois).

Vous voulez vous changer les idées, respirer l’air frais de Toronto, suivre les aventures épiques de Scott, en apprendre plus sur Pac Man ? C’est le moment ou jamais, foncez voir ce film qui devrait marquer une génération (comme Beavis & Butthead par exemple).

On aime tous les combats façon jeux vidéo, la star du rock végétalienne et décérébrée (avec le combat de basse), les as jumeaux /ex maléfiques du synthé et leur dragon musical, les références constantes aux jeux vidéo, l’ex maléfique nº 1 et sa touche Bollywood, l’humour à la noix, les génériques de début et de fin du film, la musique… il y a aussi quelques featurings improbables : au moins un acteur de The Mist, un Superman(récent), Captain America (le futur), Woot !!

On n’aime pas : rien, désolé…

L’immortel

Tout d’abord, il est indéniable que Richard Berry a su s’entourer pour réaliser ce film : Jean Réno, Kad Mérad, Marina Foïs, Jean-Pierre Daroussin, Venantino Venantini, Moussa Maaskri, Joey Starr. La galerie d’acteurs est haute en couleur et c’est vrai qu’on a quelques figures et pas mal de « gueules » dans ce film. C’est assurément le plus du film, ce qui fait qu’on se laisse porter par L’immortel malgré ses nombreux défauts.

Tout d’abord, on se retrouve obligatoirement dans la veine de films policiers hexagonaux actuels (Olivier Marchal’s touch), cela ce veut proche de la réalité, avec des forces de l’ordre dépressives (Marina Foïs en tête) et forcément un système lourd et absolument pas attrayant… La touche réaliste, et sanglante, peut avoir son charme, mais est-ce que la débauche de violence peut rattraper un propos léger ? Grande question. En fait non, car cette histoire de vengeance excessivement simple ne peut être sauvée par les grands élans carmins filmés par Richard Berry. Le choix de Kad Mérad pour représenter la némésis de Charly Matteï (Jean Réno) est improbable ; le personnage psychotique et dangereux d’origine (on le suppose) devient limite risible par l’interprétation hors pair du cador… Reste un Jean Réno qui capte à lui seul une grande partie de l’intérêt de L’immortel, son rôle de parrain brisé, presque éteint, animé par la vengeance demeure crédible. Le reliquat du casting, se cantonne à la fonction « figurants », bien que Jean-Pierre Daroussin et Joey Starr (fameux dans son rôle du « Pistachier ») tirent leurs épingles du jeu.

Sinon quoi ? Bah pas grand-chose, Klaus Badelt aux manettes de la bande-son reste efficace, par contre les passages « puccinesque », sympathiques au départ, deviennent totalement indigestes sur la longueur. La photographie demeure bien foutue cependant rien n’y fait car la faiblesse du scénario, la violence/les émotions gratuite(s) ainsi que l’interprétation de Tony Zacchia (par Kad) font sombrer dans le vieux port ce thriller marseillais.